Декоративное искусство России XX века Крамаренко Людмила Георгиевна

Содержание к диссертации

Введение

Часть I. Работа художников над декоративной формой и предметными изделиями в первой половине XX века .

Глава 1. От станковой живописи - к керамике и фарфору. Приобщение декоративного творчества к народным традициям (кон. XIX - нач. XX века).

Глава 2. Новаторское формотворчество художников авангардных направлений (1910-1920-е годы).

Глава 3. Искусство фарфора и стекла и индивидуальные почерки художников (1918 - 1941 гг.).

Часть II. Формирование современных принципов декоративного искусства (конец 1950-х- 1960-е годы).

Глава 1. Обновление форм и образов массовых изделий. «Керамический бум».

Глава 2. Взаимосвязь красоты и пользы. 121

Часть III. Расцвет отечественного декоративного искусства (1970-1990 годы).

Глава 1. Декоративная керамика как пластическое искусство . 136

Глава 2. Пластически-пространственные принципы современного художественного стекла.

Глава 3. Массовый и уникальный фарфор. 184

Глава 4. Традиционный гобелен и «новая таписсерия», их роль в организации пространственной среды.

Заключение 221

Библиография 228

• От станковой живописи - к керамике и фарфору. Приобщение декоративного творчества к народным традициям (кон. XIX - нач. XX века).
• Новаторское формотворчество художников авангардных направлений (1910-1920-е годы).
• Обновление форм и образов массовых изделий. «Керамический бум».
• Декоративная керамика как пластическое искусство

Введение к работе

Декоративное искусство - обширнейшая область творческой деятельности человека. Изделия из керамики, дерева, металла, стекла, текстиля являются древнейшими продуктами человеческого труда и творчества, они знаменуют поступательное развитие цивилизации и культуры на всех этапах истории. Однако осмысление этой области творчества с теоретических позиций относится к новейшему времени. Осознание, что декоративное искусство есть особая сфера художественной деятельности, развивающаяся по своим законам, обладающая собственными выразительными средствами и оказывающая большое влияние на общественное самосознание, приходит лишь в XX веке.

Художественный мир всех крупнейших эпох Древнего Востока, Античной Греции и Рима, Средневековья и Ренессанса, Классики и Модерна невозможно охарактеризовать без учета стилистики декоративного искусства (до недавнего времени именовавшегося декоративно-прикладным), тем не менее во всемирной истории искусств оно обычно не вычленяется как особая область эстетической деятельности, а рассматривается как вид художественного ремесла и промышленного производства, часть оформления архитектуры либо убранства интерьера. Керамика - как изделия гончаров, деревянные изделия - как работы резчиков, фарфор - как фабричная продукция, текстиль и светильники - как часть интерьера. В принципе это справедливо: декоративное искусство тесно связано с материальным производством и ремеслом.

Однако трудно согласиться с тем, что культурный уровень эпохи определяют только изобразительные виды искусства и архитектура, а декоративно-прикладные - мебель, посуда, текстиль, костюм лишь обслуживают бытовые потребности людей и светят отраженным светом "высоких искусств". Такая позиция вызывает возражение у художников и искусствоведов, занимающихся изучением декоративного искусства.

Знаменательно, что впервые его высказал русский критик-демократ Владимир Васильевич Стасов. Он писал: «Есть еще пропасть людей, которые воображают, что нужно быть изящным только в музеях, в картинах, в статуях, в громадных соборах, наконец, во всем исключительном, особенном, а что касается остального, то можно расправляться как ни попало, дескать, дело пустое и вздорное. Что может быть несчастнее и ограниченнее таких понятий! Нет, настоящее, цельное, здоровое в самом себе искусство существует лишь там. где потребность в изящных формах, в постоянной художественной внешности простерлась уже на все сотни тысяч вещей, ежедневно окружающих нашу жизнь. Народилось настоящее, не призрачное народное искусство лишь там, где и лестница моя изящна, и комната, и стакан, и ложка, и стол, и шкаф, и печка, и шандал и так до последнего предмета: там уже, наверное, будет значительна и интересна по мысли и по форме и архитектура, и вслед за нею и живопись, и скульптура. Где нет потребности в том, чтобы художественными были мелкие общежитейские предметы, там и искусство еще растет на песке, не пустило еще настоящих корней...»1

Тем не менее, до сих пор недооценивается роль и место декоративного искусства в культурном пространстве эпохи. В иерархии визуальных искусств ему, как правило, отводится второстепенное место. Не учитывается его большая роль в формировании стилистических принципов предметно-пространственной среды своего времени, его влияние на эстетические вкусы, идеалы и духовную атмосферу общества.

О значении декоративного искусства писал известный историк искусства нашего времени Александр Борисович Салтыков: «Прикладные искусства преображают саму жизнь, заменяя существовавшие до него нехудожественные вещи художественными; тем самым формируя сознание, духовный облик человека!»-Преображение материальных предметов в художественные, приобщение их к миру духовных ценностей - важнейшая функция декоративного искусства. Она служит исходной позицией современной теории декоративного искусства.

Задачей данной искусствоведческой работы является исследование роли декоративного искусства в формировании предметного мира и сложении стиля пластически-пространственной среды в России в XX веке, его значения в развитии новаторского формообразования и современного образно-пластического языка, его места в прогрессивном движении общего художественного процесса своего времени.

В диссертации проводится комплексное исследование современного декоративного искусства, устанавливается периодизация его развития в контексте социально-культурной обстановки в России прошедшего столетия.

Внимание автора сосредоточено на нескольких, наиболее характерных областях декоративного творчества, таких как декоративная керамика, фарфор, художественное стекло, гобелен и другие виды текстиля, выделены имена крупнейших художников и проанализированы их индивидуальные почерки; рассмотрена их работа над образцами утилитарных изделий для массового производства и создание самоценных декоративных произведений.

Декоративное искусство рассматривается в его связях, с одной стороны, с традициями национальной народной культуры, с другой - с художественными тенденциями в изобразительном искусстве и архитектуре и интерьерной среде.

Наибольшее внимание уделяется уникальному авторскому творчеству в разных областях декоративного искусства - созданию образно-ассоциативных художественных произведений из стекла и хрусталя, пластических композиций из керамики, новых форм фарфора, классических гобеленов и экспериментов с текстилем, представляющих креативное направление в современном художественном процессе.

Нельзя не учитывать, что изучаемый материал в его основной части относится к советскому периоду, когда российское культурное пространство включало искусство национальных республик, входивших в состав СССР. В связи с этим при рассмотрении проблематики декоративного искусства II половины XX века в диссертации привлекаются отдельные примеры творчества художников Украины, Белоруссии, республик Закавказья, Прибалтики и Средней Азии.

Исследование художественно-образной системы декоративного искусства советского периода имеет особое значение, поскольку этот вид искусства не подвергался идеологическому давлению, не подчинялся канонам соцреализма в той мере, как изобразительное искусство, а представлял, в известной мере, свободное поле творческой деятельности. Оперируя условной формой и ассоциативно-метафорическим языком, декоративное искусство было в своем роде экспериментальной лабораторией для других видов творчества и выражало интеллектуальные искания и мировоззренческие концепции

своего поколения. Это позволяет сделать вывод о чрезвычайно значимой роли декоративного искусства в современной отечественной культуре.

В традиционном искусствознании, в истории искусства принят термин декоративно-прикладное искусство для обозначения художественного оформления предметных изделий и среды. Но эпитет «прикладное» не выражает сути творчества художников XX века. В современном искусствоведении и критике используется термин декоративное искусство как расширительное понятие, обнимающее различные виды творческой деятельности, связанные с художественным моделированием и оформлением окружающей человека предметно-пространственной среды. Теория современного декоративного искусства фактически сформировалась в 1950-е - 1960-е годы, когда оно выделилось в особую сферу творчества художников и определилось его профессиональная специфика. Когда стало осознаваться не только утилитарное, но и чисто эстетическое значение декоративного искусства в контексте культуры.

Исторической миссией декоративного искусства является художественное оформление материальной среды. Смысл и задача декоративного искусства - привнесение художественности, эстетических качеств в окружающее человека жизненное пространство: в предметный мир, в жилую среду, в оборудование и технические средства. Цель декоративного искусства - создание комфортных условий жизнедеятельности человека как в физическом, так и в психологическом отношении, поэтому органическое соединение красоты и пользы в едином художественном объекте - его важный принцип. Один из теоретиков искусства В. Аронов назвал его

«Кентавром», соединяющим в одно неразрывное целое утилитарное и эстетическое начала, физическую, природную и интеллектуальную творческую сущности.

Декоративное искусство связано с созданием материальных предметов, и в профессиональные обязанности творцов входит владение материалом, техникой исполнения. Материал, его пластические свойства, приемы обработки - основы художественного языка.

Хотя по исторической традиции декоративное искусство входит в систему изобразительных искусств, его многое от них отличает. Декоративное искусство не изображает, а преображает мир - это его принципиальное отличие. Произведения декоративного искусства строятся не по подобию реальных природных явлений, как это присуще традиционной реалистической живописи и скульптуре, а скорее по архитектурному принципу, как формирование «второй природы», т.е. согласно художественным закономерностям построения формы, ее архитектонике, ритму, пропорциональным соотношениям. В этом смысле их можно назвать «малой архитектурой».

Важнейшей задачей декоративного искусства является формирование предметного мира, окружающей человека жилой среды. В этой сфере встает непростая дилемма. Бытовые предметы - мебель, посуда, текстильные изделия, украшения - обладают традиционными архетипами, связанными с устойчивыми функциональными привычками и эстетическими представлениями людей. Их необходимо учитывать. В то же время растет потребность в обновлении стилистики и окраски предметной среды, в ее преображении. Эту проблему должно решать современное художественное формообразование.

Следует отметить еще одно важное различие двух названных видов творчества: изобразительное искусство в его классическом

качестве создает на плоскости иллюзию мира, изображает жизненное пространство, в которое мысленно вовлекает зрителя, а декоративное создает и художественно преображает реальное пространство, в котором физически существует человек. Поэтому столь велико влияние декоративного искусства на человека, на его мироощущение, на эстетические вкусы и всю духовную сферу.

Для нашего времени характерно энергичное вторжение техники в повседневную жизнь людей, и это расширяет область применения творческих сил художника. Адаптация человека к новейшим достижениям цивилизации также входит в задачу декоративного искусства.

Кроме технического прогресса, XX век отличается стремительным развитием производства бытовых товаров, расширением предметного ассортимента, ставящим перед потребителем нелегкую проблему выбора. Вместо единого стиля или моды к концу века наблюдается чрезмерно широкая и пестрая, эклектичная картина массовых товаров. Перед художником встала новая задача - дать людям художественные ориентиры, некий компас, чтобы разобраться в хаосе рыночной продукции, чему способствует расширение авторской творческой работы над уникальными произведениями и большая выставочная деятельность. В этой сфере формируются общие эстетические принципы предметного искусства, предлагаются гармоничные сочетания вещей в ансамбле. В подтверждение нашей мысли приведем высказывание Н. Воронова: «Носителем материальной и духовной культуры мыслится именно декоративное искусство, оно дает не только образцы в буквальном смысле, но в первую очередь образцы вкуса, образцы стиля и идейно-художественного качества» . Еще в 60-е годы известный теоретик искусства К. Кантор сформулировал концепцию, что «декоративное искусство посредством уникальных выставочных вещей выражает общественный эстетический идеал быта и образа жизни людей»4.

Такая расширительная программа роли декоративного искусства в современном обществе поднимает его статус. Реальная практика подтверждает, что поле деятельности художников декоративного искусства расширяется и возрастает их роль в становлении современной культуры.

В XX веке, в эпоху бурного технического и социально-культурного прогресса значение и роль декоративного искусства особенно возросли, расширились области его влияния, углубились смысловые и символические значения произведений из стекла, керамики, текстиля, усложнился их пластический и образный язык.

Прежде всего это связано с тем, что чрезвычайно расширилась сфера материальной культуры, поднялся уровень всего комплекса предметно-пространственной среды, переход от ручного изготовления -к промышленному, от единичного образца - к массовому изменил саму сущность вещи. Встала проблема новых принципов формообразования предметных изделий, возникают новые приемы проектирования образцов мебели, посуды, текстиля, с учетом экономических, эргономических, коммерческих факторов. Формируется «современный стиль» предметной формы и художники декоративного искусства принимают активное участие в его утверждении.

(О правомерности этого термина до сих пор идут споры теоретиков и критиков, но автор данной работы убежден, что термин «современный стиль» достаточно точно характеризует формальные приемы и образный строй как произведений декоративного искусства, так и всего предметного мира и жилой среды.)

Декоративное искусство в контакте с архитектурой, проектированием интерьерной среды способствует формированию современного предметного мира.

Важнейшую роль в этом процессе сыграли деятельность "Баухауза" в Германии и ВХУТЕМАСа в России. Собравшиеся в этих школах прогрессивные архитекторы и художники провозгласили принципами своего творчество единство искусства и техники, художества и науки, архитектуры и предметного проектирования, освоение новых материалов и создание новых форм вещей. Они определили параметры современного стиля и принципов формообразования материального мира XX века, сыграли основополагающую роль в сложении нового пластического языка.

Следует оценить и вклад в современный стиль предметного искусства художников русского авангарда 1910-1920-х годов. Пропагандируя абстрактный язык искусства, систему супрематизма, К. Малевич и его последователи не стремились к отрыву от реальности, а исповедовали идею жизнестроения, преображения жизни средствами нового искусства. В результате, они обращаются к "деланию вещей" на основе нового формообразования. Созданных ими образцов немного, но они принципиально важны, поскольку предлагают новые пластические идеи и мотивы оформления традиционных утилитарных вещей.

Наиболее значительным для развития современного декоративного искусства является 2-я половина XX века, когда предметное творчество активно выходит на арену культурной жизни. Конец 1950-х - 1960-е годы в нашей стране отмечены большими переменами как в социальной, так и материальной жизни общества.

Принципиальные изменения происходят в советской архитектуре. Она осваивает новые конструкции и материалы, приобретает функциональные формы, отказывается от традиционных ордерных элементов и украшений, язык жилого строительства становится скупым, деловитым, аскетичным. В этих условиях основная роль в создании комфортной среды для обитания человека падает на предметный мир, на бытовые вещи, на убранство интерьера. В поисках контакта с архитектурой мебель, посуда, текстиль, светильники освобождаются от чрезмерных украшений и обильной орнаментации и приобретают простые, конструктивные формы, пластичные силуэты, лаконичные цветовые акценты. Функциональность, соответствие реальным жизненным потребностям становится программой проектирование вещей. Так при активном участии декоративного искусства шло формирование нового стиля предметно-пространственной среды.

Отказ от традиционных оформительских приемов, "борьба с украшательством" расчистили поле для дальнейшей творческой и поисковой работы художников - прикладников. Важным фактором явилось появление большого числа молодых художников разных специальностей - керамистов, стекольщиков, текстильщиков, ювелиров-профессионалов с высшим образованием. Энергично заработали высшие учебные заведения художественно-промышленного направления. В 60-е годы целое поколение молодежи после окончания вузов пришло на заводы и фабрики, выпускающие товары народного потребления, где были организованы художественные лаборатории и конструкторские бюро. Они приступили к обновлению ассортимента и художественного оформления массовых изделий. Фарфоровая и стекольная посуда, мебель и осветительные приборы, ткани и ковры, ювелирные изделия и украшения интерьера приобрели новые формы в духе современного стиля и обновили бытовую среду населения, освежили атмосферу массового жилья. Декоративное искусство в период «хрущевской оттепели» сыграло значительную роль в обновлении социально-культурной обстановки в советской стране.

Однако отечественные предприятия при низкой технической оснащенности не были готовы к исполнению творческих замыслов художников, новые образцы в незначительном количестве выпускались массовым производством. Используя производственную базу стекольных, фарфоровых, текстильных заводов и фабрик художники начинают работать над выставочными декоративными произведениями.

Из общего потока выделяется особая область - создание уникальных авторских произведений внеутилитарного характера. Это объекты свободного самовыражения в разных материалах, так называемое декоративное-станковое искусство, предназначенное для выставок, музейного экспонирования, оформления общее і венных интерьеров. Такие произведения, обычно именуемые керамопластикой, стеклопластикой, новой таписсерией, получили наиболее широкое и интенсивное развитие в 70-80-е годы. Независимые от утилитарной функции, подчиняющиеся только творческой воле художника и мастерству его рук, они открыли простор для экспериментов с материалом и пластикой, для проявления индивидуальных замыслов и почерков авторов. В этих художественных композициях ставятся задачи поиска новых форм выражения, концептуальных решений, знаковых и метафорических образов, лежащих в русле современного направления художественной культуры.

Таким образом, произошло деление искусства на две ветви: уникальное декоративно-станковое и предметно-прикладное, каждая со своей социально-культурной миссией. Их значение удачно сформировал профессор Н.В. Воронов: "Уникальное двигает развитие искусства вперед и культуру вширь""1. 1970-, прикладное же, опираясь на этот эстетический эталон, развивает искусство 1980-е годы можно назвать периодом расцвета отечественного декоративного искусства в его авторском уникальном варианте. Энергично и своеобразно развиваются многие его виды: декоративная керамика, художественное стекло, гобелен и расписной текстиль, чеканка, ювелирное дело, уникальный фарфор. Ведутся художественные и технические эксперименты с традиционными материалами: глиной, стеклом, металлом. Развиваются новые пластические формы и композиции в керамике. По-новому трактуются оптические и пространственные возможности стекла. Традиционный гобелен приобретает необычные фактуры, новые приемы ткачества, оригинальные декоративно-пространственные формы. Фарфор отмечен новаторскими приемами формообразования и живописных решений. В декоративных произведениях активно проявляет себя индивидуальный почерк творца.

Декоративное искусство приобщается к основным направлениям и проблематике изобразительного искусства и вступает в контакт с авангардными течениями современной пластической культуры. Так складывается художественный феномен XX века - современное авторское творчество, реализуемое в традиционных материалах: керамике, стекле, фарфоре, текстиле. Уникальные декоративные объекты содержат большой заряд творческой энергии художника. В них идут поиски нового взаимодействия с реальностью, отражаются интеллектуальные размышления и метафизические ощущения автора, его рефлексия на окружающий мир. Это позволяет назвать современное декоративное искусство одним из полноправных видов визуальных искусств XX века.

К истории вопроса

Как уже упоминалось выше, обращение искусствознания к специальным вопросам декоративно-прикладного искусства произошло в XX веке, а формирование его теории и критики, разбор его современного состояния активизировался фактически в 60-70-е годы. Большую роль в этом сыграл журнал "Декоративное искусство СССР" («ДИ СССР»), основанный в 1957 году, в котором стали систематически печататься статьи по теории и практике декоративного искусства, проводиться дискуссии о тенденциях его современного развития, анализироваться творческий процесс, регулярно освещаться выставки декоративного искусства и печататься творческие портреты крупнейших художников и молодых авторов. На страницах "ДИ СССР" фактически было сформировано понятие "феномена" современного декоративного искусства и намечена его основная художественная проблематика. Журнал выходил ежемесячно вплоть до 1993 года и вокруг него сложился круг авторов-искусствоведов, которые стали специалистами по декоративному искусству. Автор данной диссертации, работала в должности заведующего отделом и члена редколлегии журнала "ДИ СССР" в течение 35 лет со дня его основания, организуя материалы и редактируя статьи по проблемам современного декоративного искусства и художественной промышленности. Данное исследование не могло бы состояться без погружения в материал современной художественной практики, которой предоставляла автору работа в этом журнале.

Одним из первых российских ученых, посвятивших свои труды в 1950-1960-е годы проблемам декоративно-прикладного искусства, был Александр Борисович Салтыков. Он поставил вопрос о своеобразии и условности образного языка предметного искусства и его роли в познании окружающего мира. Современному декоративному искусству, анализу основных его направлений и творчества многих художников, так же развитию дизайна посвятил многочисленные книги и статьи, известный знаток искусства, профессор Н.В. Воронов. Глубоким пониманием проблематики современного декоративно-прикладного искусства и широкой эрудицией отмечены работы К.А. Макарова. Интересное освещение вопросов теории и практики декоративного искусства получили в книгах и статьях К.М. Кантора, В.Р. Аронова, М.С. Кагана, В.П. Толстого, Н.С. Степанян, М.А. Некрасовой.

Выделим книгу доктора искусствоведения Н. Степанян "Искусство России XX века" (1999), в которой декоративное искусство рассматривается в контексте и взаимосвязи со всей изобразительной культурой своего времени (что методологически очень близко автору диссертации). Среди изданий 1930-х годов отметим труд Д. Аркина "Искусство бытовой вещи", впервые подвергшему искусствоведческому исследованию предметный мир индустриальной эпохи.

Долгое время в советской науке замалчивалось творчество художников-авангардистов 20-х годов и деятельность ВХУТЕМАСа, и лишь начиная с конца 1960-х годов в статьях, а затем и в книгах оно подверглось исследованию и получило заслуженную оценку. Открытие этого интересного периода художественного проектирования принадлежит прежде всего Л. Жадовой, а также, в дальнейшем, А. Стригалеву, А. Абрамовой, А. Лаврентьеву. Исчерпывающий материал об опыте 20-х годов собран и проанализирован в книге СО. Хан-Магомедова "Пионеры советского дизайна" (1995).

Искусство фарфора всегда было в поле внимания российского искусствознания. Отметим, например, раритетное издание 20-х годов

"Фарфор Государственного завода" (автор текста Э. Голлербах) с рисунками И. Рерберга и С. Чехонина. Авторитетным специалистом и знатоком фарфора является Л. Андреева, автор ряда фундаментальных публикаций и каталогов по советскому и русскому фарфору. О художниках-фарфористах издано ряд монографий и альбомов, среди них с текстами Б. Эмме, А. Лансере, И. Чижовой, М. Тихомировой, Р. Мусиной, В. Черного, Т. Астраханцевой и других.

Аналитиком художественного стекла является доктор искусствоведения Л. Казакова, ей принадлежат многие книги и статьи о российском и зарубежном стекле. Она - специалист, владеющий информацией о современном мировом стекольном движении и его мастерах.

В советский период издано несколько монографий, посвященных художникам стекла, они написаны Н. Вороновым, Н. Николаевой, Н. Степанян, К. Кантором, А. Павлинской, Н. Василевской.

Современный гобелен - тема исследований В. Савицкой, которая систематизировала и проанализировала этот многообразный материал. О текстиле, костюме и гобелене написаны книги Т. Стриженовой. Крупным специалистом по истории костюма была М. Мерцалова. О декоративной керамике было опубликовано множество статей, в том числе М. Изотовой, Д. Немчиновой, Ю. Маркиным, В. Мейландом, а также автором данной работы.

В 80-х годах институтом истории искусств выпущено двухтомное издание "Советское декоративное искусство", содержащее краткие очерки по основным его видам3.

Названные искусствоведческие труды (кроме последнего) касаются отдельных видов декоративного искусства, являются монографическими и заканчиваются практически на 1970-х годах.

Произведения трех последних десятилетий еще подробно не проанализированы и обобщены.

Изучение всей вышеназванной искусствоведческой литературы помогло автору вывести общие принципы декоративного искусства и обосновать выводы о его важной роли в современной художественной культуре.

От станковой живописи - к керамике и фарфору. Приобщение декоративного творчества к народным традициям (кон. XIX - нач. XX века).

Выстраивая историю отечественного декоративного искусства XX века, нельзя не обратиться к истокам и не указать тот родник, из которого берет начало полноводный поток современного художественного творчества. Важнейшие постулаты декоративного искусства начинают складываться в России в конце девятнадцатого столетия, когда к разным видам прикладного творчества, к созданию бытовых изделий с использованием народных традиций обращаются крупнейшие русские художники-живописцы, архитекторы, сценографы.

Взрыв интереса к декоративно-прикладному искусству в России связан с определенной социально-культурной ситуацией в стране. Во 2-й половине XIX века в среде передовой российской интеллигенции нарастают демократические настроения, пробуждается интерес к жизни народа, формируется национальное самосознание.

В российской культуре происходит поворот от ориентации на классические европейские стили к поискам самостоятельного пути в искусстве, опирающемся на исконные национальные традиции. В просвещенной части общества возникает интерес к российскому художественному наследию допетровской эпохи, к изобразительному и литературному фольклору, к народному зодчеству и крестьянским ремеслам. В это же время на новую ступень поднимается эстетика бытовой культуры зажиточных слоев населения. Развертывается строительство городских особняков и доходных домов с богатым комплексом внешнего и внутреннего убранства. Названные тенденции развиваются в русле нового стиля - Модерна, для которого характерен высокий уровень синтеза искусств в формировании жилой среды. Краткий (примерно 1890-1910 гг.), но чрезвычайно яркий период модерна в России знаменателен созданием городских особняков богатых промышленников, отличающихся стилистическим и пластическим единством разных видов искусства и различных материалов: изделий из майолики с многоцветной блестящей глазурью, цветного стекла в виде светильников, ваз и витражей, деревянной резной мебели, металлического литья и ковки, ювелирного дела. Декоративные свойства материальных субстанций начинают входить в палитру художников разных специальностей, которые свободно переходят от живописи - к керамике, от книжных иллюстраций - к украшению фасадов домов, от акварели - к резной мебели.

Не менее характерно для стиля конца XIX века обращение к наследию средневековья, например, к романскому искусству и готике в Западной Европе, а в России - к допетровскому времени, к древнерусскому зодчеству и храмовой и дворцовой архитектуре XVII века. Широкое распространение в российской архитектуре и декоративно искусстве получает направление историзма и неорусский стиль. Вместо античной героики и древнеримской атрибутики в оформлении интерьеров и бытовых изделий появляются национальные фольклорные сюжеты, сказочные и былинные мотивы, крестьянские персонажи. В художественной среде начинается увлечение народными мелодиями, песнями, сказаниями, народным костюмом. "Интерес к сугубо национальным, местным традициям проявляется в широком диапазоне, ими были увлечены и художники-жанристы реалистического толка, и художники вводящие в свое творчество фольклорный мотив как цитату, и художники, видевшие для себя опору в народном искусстве как таковом" - отмечает Нонна Степанян в книге "Искусство России XX века" . Начинается осознание ценности творческого гения и духовной жизни народа.

Внимание многих художников, архитекторов, меценатов искусства привлекает народное деревянное зодчество и декоративно - прикладное искусство. Начинается собирательство и коллекционирование старинных предметов и крестьянской утвари - деревянных и керамических изделий, изразцов, вышивок, костюмов, чеканных предметов.

В творчестве российских архитекторов, таких как Ф. Шехтель, А. Горностаев, А. Щусев, И. Ропет, В. Васнецов увлечение национальными мотивами вылилось в строительство церквей, торговых зданий, выставочных павильонов и их оформлении в "русском стиле". Обильно проявлялся неорусский стиль в изделиях декоративного искусства - резной мебели и бытовых вещах, в керамике и изразцах, украшавших постройки, в изделиях из серебра и мельхиора, росписи стекла и фарфора. С современных позиций художественно-стилистический характер подобных изделий может быть подвергнут критической оценке за эклектичность, чрезмерную украшенность, измельченность, поверхностное стилизаторство без понимания основ построения изделия. Но важно подчеркнуть само стремление художников к созданию предметных изделий, бытовых вещей на основе народных традиций. Причем этими ремесленными делами занимаются живописцы и архитекторы, мастера "высоких жанров", проявивших творческий универсализм и заинтересованность в декоративно-прикладных сферах творчества.

«Идея универсализма была знамением времени... Художник должен уметь все: написать картину, декоративное панно, расписать блюдо, исполнить виньетку для книги и монументальную роспись. вылепить скульптуру и сочинить театральный костюм», - подчеркивал в книге о Врубеле М. Алленов .

Так постепенно складываются основные принципы авторского декоративного искусства. Среди них отметим: обращение мастеров изобразительного искусства к работе с прикладными материалами, овладение навыками обработки дерева, керамики, текстиля. Их попытки создания предметных форм, оформление бытовых изделий и стремление связать свои творческие проекты с жизненной средой. Наконец, погружение в стихию национального фольклора, опора на народные традиции прикладного искусства и крестьянских ремесел. Названные три главных принципа легли в основу развития декоративного искусства последующего периода.

В 1880-1890-е годы своеобразным культурным центром, очагом национального направления в искусстве становится Абрамцевский кружок. В подмосковной усадьбе Саввы Мамонтова собираются крупнейшие художники того времени, среди них И. Репин, В. Васнецов, В. Поленов, Е. Поленова, В. Серов, К. Коровин, М. Врубель. Здесь, при активной поддержке и участии Саввы Ивановича и Елизаветы Григорьевны Мамонтовых начинается интересная творческая жизнь: пишутся картины, ставятся оперы, создается коллекция крестьянских изделий, строятся столярная и керамическая мастерские. В Абрамцеве пишет картины И. Репин, строит церковь В. Васнецов, расписывает декорации К. Коровин, поет Ф. Шаляпин, проектирует мебель Е. Поленова, пишут и лепят и расписывают керамику М. Врубель и В. Серов. Всю их творческую деятельность пронизывает патриотическая идея развития русского национального искусства, раскрытие красоты и поэтичности фольклора, одухотворение повседневного бытия. Г. Стернин пишет об Абрамцевском кружке, что это "...кусок русской жизни, крепко сцепленный с общественно-нравственной атмосферой и творческими исканиями своей эпохи" .

Новаторское формотворчество художников авангардных направлений (1910-1920-е годы).

XX век принес большие изменения в социальной, экономической и культурной жизни общества. Наступила эпоха бурного технического и научного прогресса, развития индустрии, новых видов транспорта, завоевание стратосферы. Чрезвычайно расширилось производство бытовых изделий и других товаров. Произошел переход от ручного изготовления - к машинному, от единичных образцов - к массовым. Новый характер приобрело жилищное строительство. Вследствие этого изменилась функция декоративного искусства, встала задача проектирования образцов для промышленного производства, предназначенного для удовлетворения спроса широких масс населения. Возникла проблема новых принципов формообразования и сложения нового стиля предметного искусства. Художники разных направлений и профессиональной ориентации оказались причастны к л ой художественной деятельности.

Особая роль в этом движении принадлежит молодому поколению творцов - русским художникам-авангардистам. Они стремительно ворвались в традиционное российское культурное пространство и заявили о новых идеях и методе художественного творчества. Начав с отрицания опыта прошлого, всех достижений изобразительного искусства предшествующих эпох, они обратились к абстрактным формам как первоосновам искусства. В их концепцию входило обновление художественного языка и создание новой эстетики. "Мы как новая планета в голубом просторе над закатным солнцем, мы порог совершенно нового мира", - провозгласил их лидер Казимир Малевич.

Основоположником абстрактного искусства считается Василий Кандинский, который первым отказывается от изобразительности в живописи, от жизнеподобия образов и провозглашает чистую живопись, красочную стихию, которая сама по себе, отвлеченными формами, линиями и пятнами цвета в состоянии выразить мироощущение художника и воздействовать на людей. "Хор красок, врывающихся в душу из природы", - идея художника. Творчество на основе интуиции, погружение в подсознание, вчувствование в свое "Я" художника считает он высшим достижением искусства, исполненным истинной духовности. "Духовная жизнь (частью которой является искусство) есть движение вперед и ввысь. На этом пути неминуемо приходит один из нас - людей. Он во всем подобен нам, но несет таинственную заложенную в него силу видения. Он видит и указывает ... всегда вперед и ввысь тянет он застрявшую в камнях повозку человечества",11 - так писал Кандинский, метафорически определяя миссию новаторскою искусства.

Живописные полотна Кандинского 1910-х годов, обозначаемые как "экспрессивный абстракционизм", насыщены динамикой форм и линий, у них сложный колорит и каждый цвет имеет символическое значение. Картины Кандинского полны философического смысла, они отражают теоретические размышления автора и являются визуальным воплощением взаимодействия пространственных и временных понятий, движения и статики, витальных сил земли и космоса. Они излучают огромную энергию и возбуждают эмоции людей, побуждая их к интеллектуальным размышлениям.

Творчество и теории Кандинского оказали огромное влияние на последующее развитие всех видов пластического искусства, в том числе на декоративное и прикладное. Одухотворение абстрактных форм, выразительность линий и ритмических построений, символическое значение цветовой гаммы - все эти средства художественного воздействия вошли в арсенал декоративного искусства. Высказывание Кандинского: "Вызвать радостную способность переживать духовную сущность в материальных и абстрактных вещах", - можно назвать заповедью художника современным мастерам декоративного искусства.

Дальше в развитии теории абстрактного искусства пошел Казимир Малевич. Он признан лидером и учителем "искусства авангарда" во всем мире. Главным постулатом Малевича было искусство, связанное с жизнью "не со стороны видения, а со стороны знания", отсюда новое отношение к пластической форме - не внешнее, визуальное, а аналитическое. Начинаются поиски логики в построении формы, ее структурности. Малевич провозглашает принцип беспредметного искусства и заявляет, что художественный язык суть "энергия живописных масс". "Я вышел из круга вещей, чтобы построить новый мир..." - лозунг Малевича. Мечта художников "русского авангарда" -включиться в жизнестроение наступившего XX века.

Нет оснований обвинять абстракционистов в полном отрыве от жизни. Напротив, Малевич и его сторонники искали новые формы искусства для созидания, в их манифестах звучит уверенность, что только абстрактный язык может адекватно передать ритмы современности, пафос технических и научных открытий XX века. "Новая железная машинная жизнь, рев автомобилей, блеск электрических огней, ворчание пропеллеров разбудили душу, которая задыхалась в катакомбах старого разума и вышла на сплетение дорог неба и земли. Если бы все художники увидели перекрестки этих дорог, если бы они охватили этот чудовищный пробег и сплетение наших тел с тучами в небе - тогда бы не писали хризантем..."11 - так, может быть несколько наивно, но с огромным революционным залпом заявлял Малевич.

Высшей стадией беспредметного искусства Малевич провозглашает "супрематизм" (супер - высший). Весь видимый мир сводит он к простейшим геометрическим формам и их комбинациям, к нескольким локальным цветам. Мастер называет такой метод "экономией художественных средств" для выражения внутренних ощущений художника, свободных от внешнего воздействия. Большой ряд живописных полотен Малевича заполнен такими цветными геометрическими плоскостями, четко построенными в ритмическом порядке на белом фоне. В конце концов, в 1913 году Малевич приходит к "Черному квадрату" как высшей форме абстракции, к "нулю форм", по его мнению, приближающих художника к "Абсолюту".

Обновление форм и образов массовых изделий. «Керамический бум».

Сложение декоративного искусства как специфической области современной пластической культуры следует отнести ко II половине XX века. В период 50-60-х годов происходит формирование его основных видов как результата профессиональной творческой деятельности художников, работающих с керамикой, стеклом, текстилем, металлом. Происходит теоретическое осознание того, что декоративное искусство обладает своими специфическими выразительными средствами, руководствуется особыми закономерностями построения формы, обладает особым зарядом эмоционального воздействия. Утверждается художественная самоценность предметной формы. Признается роль декоративного искусства в организации предметно-пространственной среды жизнедеятельности людей в его связях с архитектурой. Осознается его значение в развитии формообразования и стиля художественно-материальной культуры XX века.

В Советском Союзе это связано с известными социально-политическими событиями: разоблачением "культа личности", либерализацией общественной жизни, периодом так называемой «Оттепели» конца 1950-х - начала 1960-х годов. Все виды искусства подвержены новым влиянием - в архитектуре, поэзии, изобразительном и декоративном творчестве начинаются поиски нового образного языка, эксперименты с формой и содержанием. Освобождаясь от идеологического давления, канонов социалистического реализма, молодые художники, поэты, архитекторы стремятся отражению реальных жизненных проблем и коллизий, ищут сближения с современными течениями мирового искусства.

Непосредственное влияние на становление декоративного искусства в нашей стране оказало развитие художественной промышленности и массового жилищного строительства. В конце 1950-х годов резко меняется характер советской архитектуры: вместо помпезных, с огромными колоннами и рельефными украшениями зданий начинается строительство типового жилья на индустриальной основе. Экономичное массовое жилье было необходимо стране, оно было прогрессивным и важным этапом для улучшения жизненных условий населения. Но это привело к оскудению выразительных средств архитектуры, к однообразию жилых кварталов и внутренней отделки квартир. Изменились габариты квартир, что потребовало иных размеров и форм мебели и иного убранства. Отходят в прошлое громоздкие тяжеловесные предметы, старомодные диваны, гардеробы и абажуры. Вырабатывается новый тип изделий, иная конструкция и отделка мебельных изделий и всей предметной среды, которые получают определение "современный стиль". Проектирование жилых интерьеров нацелено на создание функционального пространства, практической целесообразности при минимуме украшений и деталей. Большая роль в формировании жилой среды отводится декоративному искусству. Мебель светлой фанеровки с яркой обивкой, светильники новой формы, строгие декоративные ткани, изделия из стекла и фарфора нового оформления составляют комплекс предметного мира, превращают типовую жилую ячейку в индивидуальную квартиру.

Итак, возрастает значение и место декоративного искусства в оформлении жизненной среды и меняется стилистика бытовых вещей, приобретая современный характер.

В конце 50-х - начале 60-х годов резко меняется оформление предметного мира: фарфор, керамика, стекло отказываются от "украшательства", от тематических рисунков и пышной орнаментации и обращаются к пластической выразительности форм, гармонии пропорций и силуэтов. "Правда материала", которую провозглашали большие художники Иван Ефимов и Вера Мухина, теперь становится условием успеха большинства авторов прикладных вещей. Целесообразность, экономичность, лаконизм решения, соотнесенность с человеческими потребностями - вот заповеди современного стиля. Проектная деятельность художников направляется, в основном, на создание образцов для массового производства. В 1961 году итоги трехлетней работы художественной промышленности демонстрируются на выставке "Искусство - в быт". Как показывает само название, она была нацелена на предметы бытового назначения и оформления жилой среды. Концепция выставки подчеркивалась самой организацией экспозиции: кроме обычных стендов и витрин в здании Манежа (где тогда размещался Центральный выставочный зал) были оборудованы боксы, полностью обставленные в виде жилого интерьера. В них размещалась новая мебель, в буфетах стояли сервизы, столы были сервированы фарфоровой и стеклянной посудой, на стенах размещались эстампы и гравюры. Окна были оформлены декоративными тканями, вазы и народные изделия дополняли убранство комнаты. Была задача создать ансамбль бытовых предметов, найти взаимодействие разных предметов обстановки. Здесь специалисты многих областей проверяли соотношение форм, пропорций и характер оформления разных вещей. А зрители могли увидеть новый современный стиль убранства квартиры. Ведь далеко не все население принимало современный стиль жилья, нелегко было отказаться от старых диванов, резных стульев оранжевых абажуров. Так что выставка имела и воспитательное значение, наглядно стараясь убедить зрителей в достоинствах новой эстетики быта.

Охотнее других новые влияния, естественно, восприняла молодежь. Широкое распространение получили молодежные кафе, обставленные простейшей мебелью, с ярким декоративным убранством, пластмассовыми светильниками, веселыми росписями и шутливыми надписями. Здесь сидели за журнальными столиками на трехногих табуретах, пили кофе из керамических чашек и коктейль из цветных стаканов. Здесь читали стихи Андрей Вознесенский, Евгений Евтушенко, Белла Ахмадулина, здесь пел Булат Окуджава, молодежь вела споры о жизни, о любви, о новых веяниях в искусстве. Это было время социальных перемен, надежд на лучшее будущее. Его звали "Оттепелью" - по названию романа Ильи Оренбурга "Оттепель", описавшего настроение общества в эти годы.

Перемены коснулись всей культуры - живописи, литературы, театра. Художники, молодость которых пришлась на это время, называют себя "шестидесятниками". Они несли в своем искусстве идею свободы творчества, новые образы, лирику, личностное начало. Ложно оптимистическая живопись, воспевающая в радужных тонах подвиги героев труда и колхозные праздники урожая, уходят с выставок. Лакировка действительности больше не удовлетворяет ни художников, ни зрителей. Суровые будни, жизненные трудности и личные драмы людей, трагические страницы истории и войны становятся сюжетами живописи и графики. Меняется живописная система полотен, темнеет палитра, обостряются светотеневые контрасты, жестче становится рисунок.

Декоративная керамика как пластическое искусство

1970-1980-е годы можно назвать периодом расцвета отечественного декоративного искусства, в особенности в сфере уникального авторского творчества. Художественные объекты и композиции из керамики, стекла, текстиля, металла, независимые от утилитарной функции, подчиняющиеся только творческой воле и мастерству рук автора, открыли простор для проявления индивидуальных замыслов и почерков, для экспериментов с формой и материалом. В таких работах идет поиск оригинальных приемов для выражения современного мироощущения, концептуальных и ассоциативных решений. Здесь активно развивается современное формообразование, передающее ощущения человека в пространстве и времени. Идут поиски контакта с архитектурой, взаимодействия со всеми видами визуальных искусств.

Большое место в ряду жанров декоративного искусства приобретает декоративная керамика, которая окончательно определяется как самоценное пластическое искусство. Она становится синтетическим видом творчества, в котором соединяются формотворческое и изобразительное начала. Она оперирует как архитектурно-тектоническими, так и скульптурно-пластическими средствами, использует как фигуративно-живописные, так и абстрактные приемы. Это богатство и при этом условность художественного языка позволяют керамике открывать новые аспекты реальности, углубляться в эмоциональные сферы, прибегать к аллегориям и ассоциациям для выражения авторских философских размышлений.

От сосуда - к керамопластике - таково основное направление развития современной керамики. Аллегорией эволюции керамики можно назвать композицию петербургской художницы Наталии Савиновой «Превращение». Античная амфора под влиянием природных стихий и вихря времени постепенно разрушается и превращается в витую перламутровую раковину. От классического сосуда - к свободному формообразованию, от законченной цельности формы - к сложному пространственному объекту - путь керамического искусства.

Тематическая содержательность, смысловая наполненность приобщают керамику к сфере российского изобразительного искусства. По пластическим принципам сближают со скульптурой, по декоративным росписям и колорированию - с живописью и графикой. При углублении содержательности наша керамика, к сожалению, отстает по технике исполнения «от мировых стандартов». Слабая техническая база - постоянная российская беда. В тоже время именно гуманистическая направленность и чувственная напряженность выделяет отечественную керамику на фоне формально абстрагированной, виртуозно исполненной, но холодно отстраненной от изобразительной культуры керамики, демонстрируемой на международных показах.

Керамика развивалась во многих республиках СССР, в основном продолжая движение в русле национально-культурных традиций. Но в приобщении к культурному процессу выделились две главные «школы» - московская и ленинградская. Этому помогла выставочная деятельность. Представить круг тем, образов и художественных приемов столичных керамистов позволили выставки «Московская керамика», первая их них состоялась в 1974 году, две другие - в 1984 и 1989.

Для московской керамики характерно пристрастие к изобразительно-фигуративному началу, которое проявляется как в живописных, так и в скульптурных решениях. Образный мир московских керамистов обычно лирический, настроенческий, поэтичный. Темы их керамики - личные чувства, мир дома и семьи, пейзажи и натюрморты, анималистические мотивы. Преобладают настенные блюда и вазы с росписью глазурями и малая пластика. Эти вещи камерные, эмоциональные, требующие проникновенного созерцания и вчувствования. Московских керамистов привлекают живописные искания, поиски тонких цветосочетаний или декоративных цветовых контрастов, которые предоставляют потечные глазури и эмали. Глубина цвета, прозрачность, мягкий блеск, растекающееся цветовое пятно, которые дают глазури, - излюбленные живописные приемы художников. Каждый автор находит в керамической палитре свою ноту. Любовь Орлова создает лирические женские образы с задумчиво просветленными лицами на фоне среднерусского пейзажа. Мария Шаховская-Фаворская посвящает свои произведения теме детства и материнства. Она часто сочетает сосуд со скульптурными фигурками детей или украшает сосуд живыми зарисовками детских игр на природе. Рена Цузмер покрывает вазы и пласты изысканными росписями, в которых среди ветвей и цветов мелькает романтический женский образ. У Вероники Ореховой энергичный живописный почерк. Ее вдохновляют античные образы; крупные формы сосудов из терракоты она покрывает динамичными рисунками. Инна Лясс - тонкий лирик, ее росписи жемчужно-голубых оттенков отличают особая прозрачность цвета и плавность линий. У Дины Мухиной своя героиня -задумчивый образ девочки с бабочкой, девочки с раковиной. Она изображает их в керамических рельефах с прозрачными заливами глазурей, создавая вокруг ауру загадочности. В таком же ключе работают Е. Лукинова, М. Макарова, Л. Никитина, Н. Куприянова, 3. Дурова, Т. Гусева, И. Агаян, Р. Ачильдиева, Г. Джабарова, Ф. Мольнар и многие другие, находя свою авторскую интонацию в общем лирическом хоре московской керамики. Их блюда и панно - это живописные этюды, посвященные поэзии, музыке, временам года. Главная авторская задача - вписать изображение в круглую форму блюда, сочетать с объемом вазы. Самое важное - найти декоративное решение изобразительного сюжета, сочетать реалистический образ с условностью декоративной формы. Живописная керамика нашла свое место не только на выставках, но входит в жилой интерьер «современного стиля», внося в его суховатый облик тепло, красочность и живость кисти художника.

Большое место в московской керамике занимает скульптурная группа. Особенно выделяется малая пластика из фарфора и фаянса. Уже в 60-е годы авторы преодолели измельченность форм и сентиментальную слащавость, присущие исстари фарфоровым статуэткам «комодного назначения», и фигурки из фарфора стали подлинной скульптурой со своим особым пластическим языком. Главная заслуга в этом принадлежит Алексею Сотникову, известном} и глубоко уважаемому «патриарху» нашей керамики. Сотников прошел школу ВХУТЕМАСа, был учеником Татлина, отсюда его отношение к фарфору как к прочному конструктивному материалу. Его фарфоровые анималистические фигуры «Сокол», «Курица», «Барашек», «Лев», «Материнство» отличают обобщенность, напряженность формы и в то же время особая пластичность, которая подчеркнута мягким свечением белого глазурованного фарфора.